【嘉德北京秋拍】熔熔韶光，灼灼风华——韵致镌心的大师花卉专题

中国嘉德2024年10月23日约 11 分钟

花卉静物主题的艺术创作跨越中西方时空与文化边界，二十世纪大师与当代名家对这一题材的钟爱表现出高度的一致性。花卉品种繁多，花期与习性不同，所呈形态迥异，为名家大师们在绘画语言的表达上提供了诸多可能性，他们或借花卉抒情立志或表达自己的艺术追求。今秋，中国嘉德再次推出“熔熔韶光，灼灼风华”艺术名家花卉专题，近20件隽美臻品惊艳登场，件件卓绝雅致，以飨诸君。林风眠的“向日葵”潋滟圆润，庞薰琹的“雏菊”清新平和，藤田嗣治的“蔷薇”婀娜浪漫，许幸之的“令箭荷花”坚毅热烈，更有廖新学、常书鸿、李瑞年、沙耆、艾中信、苏天赐、陈钧德、周春芽之多件佳构呈现，精致繁复的细节刻画或婉丽秀雅的写意风情，在每一位艺术大师的笔下各展风姿。

历史环境与文化语境的不同使得二十世纪艺术前辈和当代艺术家对花卉的审美内涵与表达上有所差异，艺术先驱们适逢东西方现代主义思潮的碰撞，他们立足于本民族传统，不断吸收、融化和创新，在同一题材里反复钻研精进语言与技法，绘画媒材是新颖的，但内里所传达的文人风骨与气格未曾消减。当代艺术家在经过更系统、多元开放的教育经历后，在绘画形式，观念价值取向等方面有更大胆的创造和延展，“花卉”题材在每个时代呈现出独特的艺术面貌，历久弥新。

芳菲醉人，美不胜收的花卉画面背后饱含着艺术家的情感与对审美意识的传达，以及在精神层面对心境与心性更自然深湛的表达。

Lot 194

吴大羽 东园三月

1950年代

纸本水彩

54.5×39.5 cm

发表

《吴大羽作品集》，人民美术出版社，北京，2015年3月，第181页

《飞羽掠天——吴大羽作品集》，商务印书馆，北京，2020 年4月，第 218页

展出

“吴大羽文献展——被遗忘、被发现的星”， 2015年5月6日至20日，中国艺术研究院油画院，北京

飞羽掠天——吴大羽的诗与画”，2016年10月27日至11月18日，北京画院美术馆，北京

来源

源自艺术家家属

吴大羽纸本作品含括水彩、色粉、蜡彩、墨彩等媒材，其中又以水彩最为稀见，留存量不超过20件，且多集中于1930至1950年代，反映了画家抽象艺术初创至成熟时期的风格演变。本幅《东园三月》正是吴大羽1950年代水彩佳作的珍贵留存，也是其目前已知的吴大羽纸本作品中，尺幅最大的两件之一。《东园三月》色彩鲜明而抒情，从画上的形象与结构，可以看得出吴大羽的绘画语言，是经由多年写生、过滤、抽象、简化而成的。艺术家将传统花鸟画的诗意格局与抽象的形式结合起来，在方寸之中展示出旺盛的生命景观，也在其势象美学的指引下，沉淀出最为有力的人格力量。

Lot 195

庞薰琹秋光清絮

1972年

布面油画

50×41 cm

说明

本作即将收录于由家属参与编纂、山东美术出版社出版的《庞薰琹全集》

来源

庞薰琹学生沈学仁先生旧藏

庞薰琹一直以超前的理念全力以赴地投入艺术创作和教育，开辟了一条前人没有走过的路。本场呈现的《秋光清絮》和《玉带红绒》便是庞薰琹创作生涯后期的绚烂篇章。

庞薰琹在此阶段的花卉作品也有别于其早期风格，在构图与技法上做了许多的尝试，色彩运用与构图皆受到了中国民间艺术的影响，企图借由单纯的花卉静物主题来表达他油画民族化的理想。《秋光清絮》即为一例，此画带有“近印象派”的艺术风格，整幅画面通莹剔透，散发着清新迷人的光感。在描绘花朵时，庞薰琹并未精细刻画其轮廓和结构，仅以花瓣、绿叶在不同角度和光线下所显现的色调和亮度直接施色，在把握对象基本物理特征的基础上，赋予视觉美感。

Lot 196

庞薰琹 玉带红绒

1973年至1974年

布面油画

55×45 cm

说明

本作即将收录于由家属参与编纂、山东美术出版社出版的《庞薰琹全集》

来源

庞薰琹学生张一民先生旧藏

完成于1973-1974年的《玉带红绒》同样以菊为题，却展现出庞薰琹的另一种艺术追求。与《秋光清絮》张弛相谐的构图方法不同，《玉带红绒》的菊花硕大且多为球形，金黄、牙白和玫红的锦簇花团占据中心，结合背景的大片绿叶，盈满画面上半部，形成极强的视觉压迫，如有花在眼前之感。与之相呼应的，是玻璃花瓶下的镜面，拉开视觉和心理空间，结合黄绿点簇的平面背景，让整幅画面在险峻的构图中产生流动的气韵，平衡了动静、疏密的韵律感。

艺术家在本作中即运用了大量精细的线条，来还原菊花多种多样的花瓣样式，像叠球形、松针形、芍药型俱描绘得活灵活现。《玉带红绒》运用了不同的处理手法、不同的表现语言，表露了艺术家一颗真挚的艺术心脏，始终有着创造的节拍跳动。

Lot 183

关良 窗前静物

1970年代

布面油画

35×33 cm

发表

《关良画册》，四川人民出版社，成都，1982年，第39页

《关良》，上海人民美术出版社，上海，2009年，第117页

《关良》，文化艺术出版社，北京，2009年，第231页

关良喜欢画花卉和鲜果，平时看到别致的花瓶、瓷罐，他就留意写生，继而入画。从早年留学日本时，关良就多有静物创作，当时受日本学院派的影响，色彩、光影、构图都基于现实观察。及至晚年，其静物画更臻化境，形成鲜明的个人风格。其用色大胆却见分寸，构图随性而富奇想，花果颜色丰富而饱满，粗犷与细腻兼备，稚拙与鲜明并存，以西方之形写东方之韵，《窗前静物》即是关良静物画中的杰作。收录于1982年四川人民出版社发行，艺术家亲自参与编撰的《关良画册》中，来源可靠。

Lot 198

林风眠 杏瓶花果图

1950年代

纸本彩墨

68×66 cm

发表

《林风眠画集》，上海人民美术出版社，上海，1979年，图版18

《现代美术家画论、作品、生平——林风眠》，学林出版社，上海，1988年，图版28

《林风眠之路——林风眠百岁诞辰纪念》，中国美术学院出版社，杭州，1999年，第119页

《痕迹·形迹·心迹——林风眠百岁诞辰纪念》，中国美术学院出版社，杭州，1999年，图版22

展出

“林风眠之路——林风眠百岁诞辰纪念”，1999年11月，上海美术馆，上海

不同于其他同类题材作品，林风眠在《杏瓶花果》中，特意将云纹细颈瓶刻画为类似玻璃的质感与光泽，同时右侧亮面、果碗与花瓶也都着力刻画出玻璃材质的通透效果。是以，即使画面整体色彩较暗，利用这种晶莹剔透的质感，也能令其毫不沉闷；而玻璃易碎所带来的不安，则在画中利用三角构图的稳定性使之消散，甚至生发出一种细腻、内敛的画面性格。林风眠静物花卉中，向日葵并不多见，此花天性向阳而生，潋滟圆润的黄花代表了“温暖”与“勇气”，暗合了林风眠坚强不屈的精神力量与毕生的人生信仰。《杏瓶花果》在动静、方圆、明暗间达至平衡，充盈着坚定的力量，宛如多声部的形与色的交响曲，变幻万千，令人沉醉。

Lot 199

林风眠 荷花

1970年代

纸本彩墨

45.8×68.7 cm

发表

《林风眠全集：下卷》，天津人民美术出版社，天津，1994年，第127页

相较于多用重墨，带着些凄美意味的人物、山水，创作于1970年代的《荷花》展现了截然不同的明艳、华美情味，是林风眠画作中十分难得的佳作。画家采用了考验技法和功底的具象描绘，对荷花细致刻画。爱花的林风眠，曾创作过不少以各种花卉为题材的静物作品，但他较少以注视静物的距离仔细地描绘荷花，更多的是以风景画的手法将整座荷塘映入画幅。此件《荷花》有别于林风眠常用的方纸布阵，以莫奈《睡莲》似的横向意境和美学，拉长的尺幅将观者的视线温柔地包围，以专注的眼神，绕过层层荷叶，将明亮欲滴的荷花作为主角，展现在画纸上。

Lot 200

许幸之 令箭荷花

1961年

布面油画

73×50 cm

发表

《许幸之画集》，中国文联出版公司，北京，1996年，第105页

来源

直接得自艺术家家属

许幸之是一位涉猎电影、戏剧、美术三大领域、极具才华的艺术家。1950年代中期到60年代中期，是许幸之创作的一个高峰期，其在写实主义的风格偏向中吸收西方印象派和后印象派绘画技巧以丰富中国油画语言，佳作频出。《令箭荷》就是这个时期的代表作，“以老百姓能接受的平易近人的方法”呈现出别样诗意。《令箭荷》创作于1961年冬，时年，许幸之于中央美术学院油画系任教，并进行画史研究。他撰写了《论静物画》专题论文，在对静物油画的起源、沿革和发展进行潜心研究的同时，还画了一系列静物，这批作品在探求形式美的同时，也力图传达出东方民族的审美趣味，因此被美术评论家称之为中国现代油画史上静物画的“经典之作”。《令箭荷》也是其中之一。许幸之的画作极少现身二级市场，静物题材更为珍罕。本幅《令箭荷》作为艺术家生涯中具有重要地位的花卉静物，来源清晰，并收录于《许幸之画集》。它不仅是研究许幸之的重要史料，更是建构与书写二十世纪中国美术史脉络的重要一环。

Lot 197

沙耆繁花

1940年

布面油画

79×70 cm

来源

比利时艺术家Jan Thys（1922-1988）家族收藏

创作于1940年的《繁花》正是沙耆留比时期的静物佳作。此作仍存弗拉芒画派和学院派的影子，但古典主义与早期现代主义并存的多元风格已初见端倪，也为沙耆日后热情和严谨、粗犷和精细并存的绘画风格奠定了基础。在造型上，画面主体花卉、花瓶、水果与书本都采用严谨的写实手法，其几何形体又具有塞尚式的坚实。用色上，将明亮和空灵融于一体，红、白花朵从典雅庄重的暗色背景中跳脱出来；而蓝色的花朵如同画龙点睛之笔，打破了画面的暖色和谐，为画面增添了一抹清冷与深邃。今年恰逢沙耆110年诞辰，浙江省博物馆隆重举办“生命的延伸——沙耆110周年艺术展”。透过《繁花》，我们仿佛可以一窥当年意气风发的沙耆以东方面孔叱咤欧洲画坛的豪情壮举。

Lot 201

藤田嗣治 蔷薇

1961年

布面油画

33.3×24.5 cm

说明

附东京美术俱乐部鉴定委员会出具的鉴定证书

1950年代，藤田嗣治结束了他近二十年的多国游历，得以重返巴黎，开启创作生涯中的第二段巴黎时期。此时，他的作品风格相较第一段巴黎时期已经截然不同：他将20年代的人像描绘、30年代的色彩构图以及40年代的动态场景完美结合，形成了一种全新的综合性技法。在创作题材上，经历战乱的艺术家回到法国后，心境上有了巨大改变，他开始更多描绘孩童与花卉，传达对至纯至善与充满希冀的美好愿望。

本幅《蔷薇》创作于1961年，画面背景是艺术家标志性的“藤田白”，线条稳健、技法纯熟，青花瓷瓶中五朵蔷薇的样态各不相同，从蓓蕾、含苞、初绽、盛开到垂落，演绎生命循环的生生不息。藤田嗣治于本件《蔷薇》的表现上，将写意与写实相结合，打破了东西方艺术的藩篱，既传达出了花卉的婀娜，又能抓住动人的细节，色彩与线条的配合相得益彰，可谓藤田六十年代花卉题材创作的典范。